Los críticos de arte de The New York Times Roberta Smith, Holland Cotter y Jason Farago comparten sus elecciones para el mejor arte del año.
El arte más apasionante e interesante del año incluyó acciones salvajes, vestimenta inusual y materiales inesperados (como el chocolate).
sentido de las agujas del reloj desde arriba a la izquierda: 2017 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Cortesía de David Zwirner, Nueva York / Londres; Ryan McNamara; Joshua BrIght para The New York Times; Delfino Sisto Legnani y Marco Cappelletti, Fondazione Prada; Mark Wickens para The New York Times; Finca de Belkis Ayón, vía Landau Exposiciones itinerantes
1. MEJOR EXPOSICIÓN DE GALERÍAS A CONTINUACIÓN, NO REVISÉ " Ad Reinhardt: Blue Paintings " en la Galería David Zwirner, que reunió 28 pinturas abstractas luminosas del "período azul" de este artista de principios de la década de 1950, el más grande de todos. Con campos azules cubiertos de levitantes bloques, o intersecciones de azules contrastantes y, a veces, verdes o púrpuras, estas inmersivas pinturas evocaban versiones geométricas de los "Nenúfares" de Monet. Su alegría ponía en marcado contraste con las relativamente inquietantes, si bien conocidas, Pinturas negras de Reinhardt. que de repente parece un poco pretencioso.
2. OTRO En el Enterprise de Gavin Brown en Harlem, Rirkrit Tiravanija continuó su devoción a Johnsian por no inventar nada con una obra maestra: una amorosa e infinitamente conmovedora recreación cuadro por cuadro de la película de Rainer Werner Fassbinder de 1974 "Ali: El miedo se come el alma . "La historia se centra en Emmi, una mujer de limpieza viuda alemana, y Ali, una trabajadora migrante marroquí mucho más joven, cuyo improbable romance y matrimonio provoca cada especie de intolerancia de los que los rodean.
La versión Tiravanijatiene un cadáver exquisito de un título: "saltea los hematomas de los esquimales a las exquisitas palabras" vs. "si te doy un centavo puedes darme un par de tijeras". Era un trabajo interno, un disparo en la galería en cuatro semanas con un elenco compuesto casi en su totalidad de artistas, amigos y empleados, en conjuntos que luego se convirtieron en parte de la exposición. La rigidez de la actuación amateur dio al procedimiento una extraña claridad, y el reparto al azar trastornó los estereotipos, al igual que los papeles protagonistas femeninos para los hombres: el artista sueco Karl Holmqvist interpretó a Emmi; Florian Troebinger, el único actor profesional de la película, interpretó a Barbara, la rubia dueña del bar germánico y amante ocasional de Ali. De acuerdo con las piezas de estética relacional del Sr. Tiravanija que involucran la porción de comida gratis, el Sr. Troebinger atendió el bar durante todo el show. Como Ali, Hamid Amini.
3. MEJOR PRIMERA IMPRESIÓN "War and Pieced: la colección de colchas de tela militar de Annette Gero" en el American Folk Art Museum y su explosión de patrones geométricos, predominantemente en los rojos, negros y amarillos de las telas militares. En vista hasta el 7 de enero, es una de las mejores obras de arte abstracto que verás esta temporada.
4. MEJOR ESPECTÁCULO SOBRE LA MODA COMO ARTE (Y DISEÑO DE EXPOSICIONES COMO ARQUITECTURA) La deslumbrante "Rei Kawakubo / Comme des Garçons: Arte de los intermedios", del Instituto de vestuario del Museo Metropolitano de Arte. Habitaba en un pequeño pueblo de estructuras, con unos 120 conjuntos esculturales cuasi-portátiles en una variedad de colores y textiles innovadores, alterando las nociones de estilo y género, pasado y presente, y continuamente entregando nuevas ideas sobre la forma, el proceso y el significado.
"Sleeping Bag Coat" de Norma Kamali (1980-89), en el espectáculo "Items: Is Fashion Modern?" En el Museo de Arte Moderno. Mark Wickens para The New York Times
5. EL MEJOR ESPECTÁCULO SOBRE LA MODA Y CÓMO VESTIRSE " Artículos: ¿Es moderna la moda ?" En el Museo de Arte Moderno presentó una especie de canon de vestimenta global en la posguerra, desde chaquetas de motociclista hasta burkinis, desde vestidos negros hasta saris . Es un examen revelador de practicidad, creencia religiosa, clubbishness e identidad personal jugado en prendas sobre todo familiares de todo el mundo.
. RENDIMIENTO MÁS ESPECÍFICO DEL SITIO La commedia dell'arte actualizada creada por el artista y coreógrafo Ryan McNamara en colaboración con el compositor John Zorn fue parte de Works & Process.serie en el Museo Guggenheim. En cinco segmentos, comenzando con "Harlequin", ocho bailarines utilizaron todo el espacio disponible y numerosos detalles de diseño del auditorio pequeño, excéntrico y circular (por supuesto) de Frank Lloyd Wright. Los rincones y grietas que echaban de menos solían estar ocupados por los diferentes grupos de músicos, incluidos un trío de jazz y un cuarteto de a capella interpretando las composiciones del señor Zorn. El auditorio se convirtió en una especie de teatro en redondo, cuyos detalles estaban deslumbrantemente articulados. El evento también reflejó la cada vez más impresionante transición del Sr. McNamara del arte escénico a la coreografía.
7. SEGUNDO MAYOR DESPERDICIO DE DINERO DESPUÉS DE LA SUBASTA DE LEONARDO "Hansel y Gretel", una de las obras de arte de instalación más costosas del año, que incluye lo último en tecnología de vigilancia de alta tecnología reiterada como espectáculo de diversión. Fue cocinado por el artista activista chino Ai Weiwei y los arquitectos Jacques Herzog y Pierre de Meuron y montado en Park Avenue Armory. Todos deberían haberlo sabido mejor.
8. MEJOR BIENAL DE WHITNEY EN MEMORIA RECIENTE La versión 2017, por su diversidad, su accesibilidad e incluso por las tormentas que encendió.
9. ALGUNAS DE LAS MEJORES SEÑALES RECIENTES DE QUE EL FUTURO ES FEMENINO Los museos de Nueva York tuvieron tantas muestras monográficas impresionantes del trabajo de las mujeres modernas, que casi se siente normal: Florine Stettheimer en el Museo Judío; Louise Lawler en el Museo de Arte Moderno; Marisa Merz y Lygia Pape en el Met Breuer; Carol Rama y Kaari Upson en el Museo Nuevo; Laura Owens en el Whitney Museum of American Art (hasta el 4 de febrero); Patty Chang en el Museo de Queens (hasta el 18 de febrero); Judy Chicago en el Museo de Brooklyn (hasta el 4 de marzo); y Carolee Schneemann y Cathy Wilkes en MoMA / PS1 (hasta el 11 de marzo).
10. MEJOR CALENDARIO DE EXPOSICIONES EN UN MUSEO EN UPHEAVAL The Met's, que incluía muestras de imágenes de cámara-teléfono intercambiadas por 12 pares de artistas; los grabados casi abstractos del artista holandés del siglo XVII Hércules Segers; Las pinturas de Maine de Marsden Hartley; una encuesta sorprendente sobre el arte y la cestería de bambú japonés (hasta el 4 de febrero); y, por supuesto, los espectáculos recientemente abiertos de las pinturas de David Hockney (hasta el 25 de febrero) y los dibujos de Miguel Ángel . Esa última exposición incluye un verdadero show-in-a-show de hojas de su maestro Domenico Ghirlandaio (hasta el 12 de febrero).
11. PERO NO OLVIDADO Linda Nochlin, Glenn O'Brien, Jack Tilton, Magdalena Abakanowicz, Vito Acconci, AR Penck, Trisha Brown, James Rosenquist, Holly Block, George Braziller, Barkley L. Hendricks, Jannis Kounellis, Saloua Raouda Choucair, Dore Ashton, Ousmane Sow, Karl Katz, John Ashbery, Edit DeAk, Julian Stanczak, Beau Dick, James S. Ackerman, Richard Benson y Howard Hodgkin.
Holanda Cotter
Mala política de Washington. Nacionalismo blanco. Depredación sexual Agregue el espectáculo de un mercado de arte deslumbrante con un sinfín de efectivo, y 2017 se siente como un buen año para despedirse. Pero hubo cosas positivas. Lo siguiente significaba más para mí:
1. LA MARZO Si el arte puede definirse como una forma moldeada por la presión de ideas, creencias y emociones, la Marcha de las Mujeres el 21 de enero pasado, el día posterior a la inauguración del presidente Trump, podría ser considerada la obra más grande de arte político nunca. Originado como un gesto de repugnancia masiva, se sintió profundamente, coreografió inteligentemente, se vistió de manera memorable ("sombreros de coño") y con guión enfático ("Mantén las manos alejadas de mi cuerpo"). Continúa hoy en las redes sociales (#MeToo), sin fin a la ira y la energía a la vista.
2. RADICALES No conocidos por montar las barricadas, los museos lo hicieron de todos modos con un puñado de muestras grupales grandes pero incisivas. Como parte de " Pacific Standard Time " en Los Ángeles, el Hammer Museum ha organizado "Radical Women: Latin American Art, 1960-1985", en el que cada uno de los 116 participantes abre una ventana de imagen sobre una historia desconocida (hasta diciembre). 31).
3. RADICALS II En el Museo de Brooklyn en abril, una exposición más pequeña, " Queríamos una revolución: Mujeres negras y radicales, 1965-85 ", organizada por el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler del museo, llegó con más de 40 obras. artistas-activistas y un catálogo dinámico de estilo libro de consulta. (El programa se encuentra ahora en el Museo Afroamericano de California en Los Ángeles, hasta el 14 de enero).
4. ESTAR ALLÍ " Tercer espacio ", en el Museo de Arte de Birmingham en Alabama, es técnicamente una instalación de arte contemporáneo de la colección. Pero es más que eso: es, al menos en parte, una mirada matizada sobre lo que significa ser negro en Estados Unidos, y específicamente en el Sur. Algunos de los artistas (Kerry James Marshall, Lonnie Holley) son nativos de Birmingham. Al menos un trabajo, el "Proyecto Birmingham" de Dawoud Bey, de 2013, está directamente relacionado con la ciudad: conmemora el bombardeo de 1963 de la iglesia bautista de la calle 16 por parte de supremacistas blancos, en el que murieron cuatro niñas. El espectáculo se moverá en cualquier lugar, pero en ningún otro lugar se sentiría de la forma en que lo hace en este museo, a solo unas pocas cuadras de donde aún se encuentra la iglesia.
5. SOLO DECIR NO Ha habido repetidas convocatorias de museos, comenzando con el Museo de Arte Contemporáneo de St. Louis en 2016, y continuando con el Museo de Arte Americano Whitney, el Centro de Arte Walker y otros este año, para censurar, incluso destruir, ofensivas obras de arte contemporáneo. En un interesante cambio de guerras culturales, muchas de las llamadas han venido de la izquierda política. Estas llamadas deben sopesarse caso por caso. En pocas palabras: la protesta es buena, saludable; hazlo. La censura de arte, particularmente en forma de destrucción, nunca es buena. No lo hagas
6. DOCUMENTA Ambiguamente difusa, la edición 2017 de este espectáculo de arte de cinco años se estableció en dos lugares muy diferentes: Kassel, Alemania, su hogar tradicional, y Atenas. Despegó en direcciones más temáticas de lo que cualquier show podría contener, y sin embargo, en su empuje general, antifascista y proinmigrante, fue completamente, y con frecuencia conmovedor, de su momento. El programa recibió duras críticas de la prensa alemana por ser demasiado político, y finalmente fue acusado de un gasto excesivo. Si Documenta 14 hubiera sido más liviano, más brillante y más justo, por no mencionar un éxito de taquilla, ¿habría sido motivo de desgracia su sobregiro presupuestario? Mi conjetura es, no.
7. BELKIS AYÓN La temporada tuvo varias exposiciones individuales sobresalientes. La inolvidable retrospectiva del artista cubano Belkis Ayón (1967-99) en El Museo del Barrio el verano pasado fue una. En su corta carrera, la Sra. Ayón desarrolló un estilo virtuoso de grabado monumental y tomó como tema los mitos de la sociedad fraterna afrocubana llamada Abakuá. Su inmersión en materia espiritual fue completa. Las impresiones, en tonos de negro, blanco y gris, parecen autoiluminadas. Son como relámpagos en la oscuridad.
8. THURAYA AL-BAQSAMI En los años 70 y 80, las pinturas y grabados de este artista kuwaití eran relatos oníricos de la experiencia femenina en el Medio Oriente poscolonial. En 1990, cuando Iraq invadió su tierra natal, el trabajo se convirtió en un registro angustioso y cotidiano de los horrores que se desarrollaban bajo la ocupación. El arco de la carrera de la Sra. Baqsami está completamente abarcado en una vertiginosa retrospectiva , organizada por su hija, la artista y cineasta Monira al-Qadiri, que llena cuatro pisos del notable Museo de Arte Sharjah en los Emiratos Árabes Unidos
9. BARBARA HAMMER . He admirado las películas de "dique táctica" de esta pionera artista errante, como ella las llama, durante años, sin conocer el resto de su producción. Una encuesta texturizada, " Barbara Hammer: Evidentiary Bodies ", en el Museo Leslie-Lohman de Arte Gay y Lésbico en SoHo (hasta el 28 de enero) finalmente rellena los espacios en blanco con dibujos, pinturas, fotografías, esculturas e instalaciones. Ahora de 78 años, la Sra. Hammer prefiere el término "actionary" a "visionario" al describir el trabajo de otros artistas queer que ha documentado y promovido a lo largo de las décadas. Sobre la base de este programa, diría que ambos términos se aplican a ella.
10. IMPRESIONES DURADERAS Aquí hay tres eventos 2017 todavía fuertes en mi memoria:
" Detroit After Dark ", en el Detroit Institute of Arts, un espectáculo de fotografías nocturnas de las propiedades del museo, se ha quedado conmigo como una canción lenta. La visita después de horas se abrió con un tiro de Robert Frank de la década de 1950, cuando la ciudad todavía era una potencia; herida a través de calles gradualmente oscurecidas; detenido en clubes de jazz; se quedó en puntos punk y hip-hop. Una vista de 2016 de Dave Jordano del descomunal Michigan Train Depot, ardiendo con flamantes luces gentrificadoras, trajo una canción malhumorada a un final inconcluso: no optimista, ni pesimista, otra cosa.
En el Museo de Arte de Filadelfia el invierno pasado, el artista radicado en Mumbai Jitish Kallat tuvo una instalación extraordinaria llamada " Carta de presentación ". En ella, una imagen de video proyectada de una carta escrita por Mohandas Gandhi a Adolf Hitler pocas semanas antes del comienzo del Mundo La Segunda Guerra se desplazó lentamente por una pantalla hecha de niebla artificial. Gandhi, que creía en la eficacia política de ofrecer amistad, intenta persuadir al líder nazi para que cambie su rumbo destructivo. Pero la agresión no escucha; una y otra vez vimos las palabras de Gandhi caer en el olvido.
En noviembre, cuando se inauguró "Pacific Standard Time", realicé una gira de prensa que la artista chicana Judith F. Baca dirigió de " La Gran Muralla de Los Ángeles"., "Un gran mural que inició en 1976 con la ayuda de 80 jóvenes remitidos por el departamento de justicia penal de la ciudad. Hecho en la pared de un canal de drenaje, la pintura ilustra la historia de California como se ve a través de los ojos de los inmigrantes, prestando particular atención a los avances y abusos de los derechos civiles. Durante décadas, con el dinero apretado, el progreso en el mural ha sido esporádico; la historia se remonta a la década de 1950, aunque la pintura pronto comenzará de nuevo. Incluso incompleto, es un gran trabajo estadounidense. Caminar con la Sra. Baca fue uno de los momentos cumbre de la temporada. Porque, en un año en que la combinación de "grande" y "América" sonaba incompatible y corrupta para mí, fue una caminata con una historia diferente y una historia que siento que quiero vivir.
Jason Farago
Este fue un año de indignación: indignación por las injusticias más allá del mundo del arte, pero con demasiada frecuencia mal dirigidas hacia el interior. Las disputas sobre la estética y la política frecuentemente se volcaron -gracias al acelerador de las redes sociales- en la vergüenza y la censura total. Construir un futuro mejor, juntos, será un trabajo arduo que requerirá la inteligencia, la ambición y, sobre todo, la seriedad demostrada por exposiciones como estas.
1. CERCLE D'ART DES TRAVAILLEURS DE PLANTATION CONGOLAISE A medida que las cuestiones de identidad y desigualdad irritaban a tantos museos estadounidenses, el pequeño y vital SculptureCenter en Queens montó una defensa rotunda de la asociación intercultural y la sinceridad moral. Los escultores de este colectivotrabajar en una plantación rural de cacao congoleño; sus sólidas e inteligentes estatuas son escaneadas en 3-D por un equipo holandés, lanzadas en chocolate en Europa y luego mostradas y vendidas en galerías que nunca podrán ver. El prestigio del museo ayuda a que estas esculturas obtengan precios altos, lo que ha mejorado las vidas de estos artistas, pero el verdadero valor de las obras, tanto económica como culturalmente, como el chocolate y el arte, depende de las disparidades mundiales que ninguna exposición puede remediar. Este fue el programa más desafiante del año, y orgullosamente "problemático", pero ese era el punto: necesitas ser valiente, y correr directamente al pantano de posibles malentendidos, para tener alguna esperanza de hacer la diferencia.
2. 'GAUGUIN: EL ARTISTA COMO ALCHEMISTA' Las pinturas estaban aquí y explicadas, pero fue la cerámica, tambaleante y salvaje, la que robó el espectáculo en esta profunda reescritura del postimpresionismo en el Art Institute of Chicago. Esta vibrante exposición nos dio un Gauguin nuevo, más complicado y más omnívoro que el estereotipo de South Seas. También fue un ejemplo de cómo involucrarnos con el trabajo de grandes artistas cuyas conductas personales nos hacen rechinar: imperturbable, con las herramientas más agudas.
3. KAARI UPSON A los 45 años, este intrépido californiano se parece cada vez más al artista más psicológicamente incisivo de su generación. Su exhibición misteriosa en el Museo Nuevo, repleta de moldes de colchones y más de cien maniquíes de su madre, colocados en los estantes que usa Costco, se sumergió profundamente en las obsesiones estadounidenses entrelazadas con la superación personal y la superación del hogar. La Sra. Upson también hizo una de las contribuciones más fuertes a la Bienal Whitney de este año : los moldes de uretano de los sofás seccionales de Las Vegas, que parecían menos muebles que cuerpos humanos deformados.
4. "TIEMPO ESTÁNDAR DEL PACÍFICO": EL LADO HISTÓRICO El arte contemporáneo representa la mayor parte de las exposiciones latinoamericanas que ahora llenan Los Ángeles, pero dos escaparates de trabajos más antiguos deslumbran. " Golden Kingdoms ", en el Getty Center hasta el 28 de enero, es una auténtica superproducción de bling precolombino; " Pintado en México, 1700-1790: Pinxit Mexici ", en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles hasta el 18 de marzo, reúne una estimulante recompensa de retablos y retratos. Ambos recorren el Met el próximo año.
5. LAS FUNDACIONES FÉRTICAS DE MILÁN La Bienal de Venecia de este año fue un fracaso, pero hacia el oeste, dos museos privados ganaron. En la Fondazione Prada, el artista traviesa Francesco Vezzoli comisaría una historia ingeniosa de la televisión pública italiana de la década de 1970, mezclando a coristas emocionantes con imágenes de protestas feministas y el asesinato de un primer ministro. Y la masiva Hangar Bicocca presentó una exposición devastadora del polímato polaco Mirosław Bałka , cuyos fanáticos zumbando, pasillos mojados con jabón y bombas de agua negra como el carbón dieron vueltas alrededor, pero nunca revelaron, los horrores del Holocausto.
6. PARÍS: LA TIERRA VIVA Mientras que el acuerdo climático firmado en París fue perforado este año, el mundo del arte de la ciudad se volvió verde. En el Grand Palais, la exuberante exposición " Jardins " reunió 500 años de diseños de jardines, herbarios, herramientas de jardinería y arte botánico de Delacroix, Klee, Matisse y Gerhard Richter; el jardín, propuso, era el sitio donde la naturaleza y la cultura se casan. Y en el Palais de Tokyo, la retrospectiva brillantemente asegurada de mitad de carrera de Camille Henrot , hasta el 7 de enero, incluye no solo una nueva película, filmada en parte en la isla de Tonga, sino también arreglos de ikebana de flores secas y chatarra.
7. 'FRÉDÉRIC BAZILLE Y EL NACIMIENTO DEL IMPRESIONISMO' En un año fuerte para la National Gallery of Art, el espectáculo destacado fue este resumen casi completo de la vida de un pintor realista que compartió un estudio con Monet y que estaba en camino a la grandeza cuando murió, a los 28 años, en la guerra franco-prusiana. Bazille trajo una objetividad arrolladora a las escenas de bañistas, fiestas y sus compañeros artistas, y es angustiante pensar en lo que no pintó.
8. "ARTE Y CHINA DESPUÉS DE 1989" Las vergonzosas amenazas de violencia que llevaron a la censura de Huang Yong Ping, Xu Bing y la pareja Sun Yuan y Peng Yu en el Museo Guggenheim reafirmaron que las dos naciones más poderosas del mundo apenas pueden tener sentido el uno del otro. Sin embargo, no hay separación entre Estados Unidos y China en el futuro, y necesitamos exposiciones tan comprometidas como esta (hasta el 7 de enero) para reclamar el reconocimiento mutuo.
9. 'ANNE TERESA DE KEERSMAEKER: TRABAJO / TRAVAIL / ARBEID'La " exposición " de cinco días de este coreógrafo belga en el atrio del Museo de Arte Moderno fue un modelo de cómo traducir la danza del formato de un teatro al abierto espacios y horarios de un museo. También fue un escaparate descarado de la práctica y la experiencia. Mírelos en cada aterrizaje, sincronizados, hora tras hora, en un mundo del arte que generalmente no se preocupa por la habilidad.
10. 'THE SQUARE' En la sátira ganadora de la Palma de Oro de Ruben Östlund, tal vez la primera película en describir el mundo del arte contemporáneo con una verdadera perspicacia, un curador sueco imagina que una exposición puede mejorar la sociedad y termina empeorando las cosas. El lenguaje estúpido, los incómodos recaudadores de fondos, la bebida, los Tesla: esta acusación brutal del sector cultural liberal me ridiculizó a mí y a todos los que conozco, y me dolió mucho.
Corrección :
Una versión anterior de este artículo malinterpretó el número de pinturas en el programa "Ad Reinhardt: Blue Paintings". Fue 28, no 37.
Corrección :
Una lista de muertes notables en una versión anterior de este artículo incluía erróneamente a un artista fallecido antes de este año. Tony Conrad murió en 2016, no en 2017.